Rome, Open City Review

Maybe the most impressive aspect of this film is the fact that it is almost 80 years old and its power hasn’t diminished at all. There’s still a lot to learn from this movie but not just from a filmmaking aspect but also from a historical and cultural aspect. A hard watch but definitely worth it . This was a clear inspiration for films like Schindler’s List and The Pianist. Not a movie that I would watch again but I’m glad I saw it.

Reseña de Roma Città Aperta (1945) – Amanda Crespo Gómez

Roma Città Aperta (1945) es una ilustración sobre los sacrificios que se deben de hacer con el objetivo de proteger al resto de la resistencia italiana. La familia en esta película enfrentaba muchas inconveniencias sociales, y la relación amorosa entre Marina y Francisco fue afectada por el mismo. Referente a esta pareja, hay una escena que me impresionó mucho en donde Don Pietro estaba dentro de una tienda y vio a dos estatuas de un hombre y una mujer mirándose. Don Pietro luego movió a la mujer y al hombre de tal manera que estos se dieran la espalda. Esta escena, aunque no suene como mucho de primera instancia, demuestra la separación de un hombre y una mujer, lo cual relaciono con el hecho de que Marina y Francisco murieron el mismo día que ellos esperaban casarse, y, por lo tanto, “estuvieron juntos hasta que la muerte los separó”. Esto puede tener un origen bíblico cuya frase es dicha en las bodas para que la pareja haga el compromiso de estar juntos hasta que la muerte los separe. En general, la película pudo demostrar la fuerza emocional que algunas personas son capaces de tener ante una situación que tiende a degradar las relaciones interpersonales.

-Amanda Crespo Gómez

Twitter: #cineitalia

Boletín #1 Roma città aperta

Aquí empezamos con los boletines o newsletter del curso, que se publicarán siempre en nuestro website cineitalia.

La idea es repasar los que se hizo y también compartir enlaces y medios que se discutieron. Y otros apuntadores.

Empezamos la clase con música de Pino Daniele: Yes, I know my way, versión live desde Nápoles (Napoli).

Luego vimos dos vídeos de la llamada conexión italo-boricua: La canción Che sará (Qué será), cantada por José Feliciano en el Festival de Sanremo de la canción italiana en 1971.

E inmediatamente después vimos la versión más moderna en un dueto italiano/español con Arisa en el mismo Festival.

La película que vimos junto fue Roma città aperta, de Roberto Rossellini (1945).

Utilizamos la herramienta de Watch2Gether para compartir junto la experiencia. Recomiendo que para la próxima tengan creada una cuenta personal.

Rome Open City –full movie (subs en inglés):
https://www.youtube.com/watch?v=JvkkDvKGR_4

A continuación un vídeo que trataré de compartir en la próxima reunión, el jueves. Súper interesante para chequear antes.


Recuerden:

Deben haber recibido un correo con las credenciales para entrar a nuestro blog. Hagan una prueba. Empiecen a redactar una reseña de la película, más tarde la van a publicar (luego de yo explicarles cómo).

También, seleccionen tres cosas que le interesaron/gustaron mucho de la película y compártanlas por Twitter e Instagram. El hashtag a utilizar es #cineitalia.

¡Nos vemos el jueves!

RESEÑA – Roma Città Aperta

Rosselini filmó ‘Roma Città Aperta’ en las calles abiertas de la posguerra. Sus recursos para hacer películas eran limitados, como es evidente en la película, ya que usa iluminación natural, actores no profesionales y un sistema de sonido delicado), pero solo le da a la película un aspecto rígido y más auténtico que hace que la atmósfera sea más aterradora y la experiencia más real. La mayoría de los ‘accesorios’ e incluso muchos de los soldados nazis eran reales. A diferencia de muchas películas históricas, esta hace lo correcto por los hechos históricos (a pesar de que es una obra de ficción).

Lo más sobresaliente es la convincente narración de Rosselini. En lugar de mostrarnos una cuenta documental (debido a la falta de equipos de filmación), nos da una conmovedora historia de resistencia. También me impresionó la forma sutil en que sacó a la luz personajes como la homosexualidad de los nazis. También extrae maravillosas actuaciones de sus actores. Aldo Fabrizi y Anna Magnani se destacan. El puntaje de fondo (aunque se usa mínimamente) agrega algo de melodrama pero no de una manera pobre.

Si uno puede mirar más allá de la pobre tecnología de la película, ‘Roma Città Aperta’ es una de las películas más poderosas de su género. Aunque la película puede deprimir y, en algún momento, horrorizar al espectador, el final es profundo y esperanzador. Al final, es una historia sobre miedo, coraje, integridad y esperanza.

RESEÑA – Evil Eye

Esta película italiana prácticamente desconocida (para los fanáticos del horror en los EE. UU.) Tiene bastante que ofrecer. Filmado en blanco y negro y generalmente presentado en italiano con subtítulos, está lleno de estilo e intriga. Roman interpreta a un joven estadounidense que visita Italia y se topa con varias situaciones problemáticas y amenazantes. Su primer día en el país incluye un contrabando de drogas, una muerte por enfermedad, un atraco y un asesinato cruel por apuñalamiento. (Estos eventos son inverosímiles e irreales, pero de alguna manera no le restan importancia a la película) Pronto la audiencia está detrás de ella mientras intenta resolver todas las piezas en un rompecabezas sorprendentemente complicado.

La lógica y la realidad no siempre están a la vanguardia del guión, pero el estilo, el misterio y el suspenso contribuyen en gran medida al entretenimiento de una hora y media. Roman es un protagonista encantador y talentoso. El sajón americano habla convincentemente. Los otros miembros del reparto también son fuertes y ayudan a crear una historia desconcertante e intrigante. Dos inconvenientes son que a) Saxon no puede mostrar su cuerpo en absoluto en una escena de playa y los italianos a veces hablan tan rápido que los subtítulos vuelan como locos. Esto ocasionalmente hace que sea difícil leer y ver la película simultáneamente y ambos elementos pueden ser importantes para seguir una historia.

RESEÑA – La Grande Belleza

Ambas películas denotan una atención al detalle, la fotografía, los lugares y el vestuario (por el cual “La Dolce vita” ganó su único Oscar). Ambas películas tienen una trama desconectada que nos hace comprender que no es importante para el mensaje que estas obras quieren comunicar.

Hay temas clave comunes, que no pertenecen exclusivamente a la película, sino a la propia Italia y a Roma como capital, como lo sagrado y el arte. El elemento clave y faltante de “La Grande Bellezza” es la presencia de paparazzi en todas partes, la prensa es responsable de la importancia de los eventos.

Ambos tienen un periodista, el protagonista de los eventos, pero los dos personajes son completamente diferentes, tanto porque son hijos de diferentes épocas como por el tipo de vicisitudes que enfrentan. En “La Dolce Vita”, está Marcello Mastroianni, quien interpreta a un personaje con el que comparte el nombre, Marcello Rubini, que está muy desapegado al vivir los eventos, tanto cuando le conciernen como cuando los observa. Es un personaje pasivo e inquieto. Jep Gambardella, por otro lado, es el protagonista de “La gran belleza”, interpretada por Toni Servillo, quien por el contrario tiene una opinión sobre todo, incluso si no lo expresa de manera obvia, pero bajo metáforas y alusiones, tiene una máscara bien adherida que lo hace aparentemente seguro de sí mismo y conocedor de la vida, pero debajo de él se esconde un hombre frágil y cansado. Marcello es casi un V.I.P. , está en contacto con familias nobles y actores famosos, Jep no puede tener esta posibilidad ya que ya no hay personas realmente famosas en Italia. Marcello es la abeja reina de un enjambre de fotógrafos. Jep no tiene seguidores, excepto amigos que cuelgan de sus labios en las salas de estar que instala en su terraza.

Ambos directores dan a luz a los protagonistas en su tierra, Marcello y Fellini en Rimini y Jep y Sorrentino en Nápoles. No se sabe mucho sobre Jep sobre la familia, mientras que Marcello vive un episodio en el que Fellini expresa claramente su relación con su padre, que está ausente y desapegado, un legado que el hijo también muestra en la historia. Jep solo tiene reminiscencias de su adolescencia y la primera vez que muestran un lado nostálgico del protagonista. Marcello sufre amores atormentados entre la noble Maddalena y su novia Emma, Jep vive solo de escapadas. Cada personaje es el hijo de su tiempo, como las dos películas.

RESEÑA – Pane e Cioccolata

Esta película habla sobre el coraje y la ingenuidad de convertirse en un extranjero en la búsqueda interminable de “lo mejor”. Al final … sigue siendo una búsqueda y eso es porque no nos estamos moviendo de un país a otro dentro de nosotros mismos. Estamos manteniendo el mismo lugar allí: el lugar llamado “nosotros, quiénes somos realmente”. La búsqueda permanece sin significado, sin resultado si no podemos entender la importancia de mirarnos y entender el significado cultural y espiritual de nuestro núcleo.

La historia: un italiano se convierte en inmigrante en Sweetland, en busca de lo que su país no puede darle a él ni a su familia; estabilidad financiera. Aquí tiene que enfrentar desafíos nuevos y continuos, incluso mayores que los que tuvo que enfrentar en su país e hijo … el héroe se encuentra luchando con el destino mismo, que parece haber hecho un trabajo gracias al esfuerzo continuo de poner a Nino e intenta mostrarle quién es y que no debe olvidar cuál es la razón de su presencia en el país semi-adoptivo.

Un drama lleno de situaciones cómicas e hilarantes donde el director realmente sabe cuál es la diferencia entre cómic y drama y cómo ponerlos uno al lado del otro sin dejar de enviar el mensaje. Pero más importante, el cómic está en el más alto nivel de inteligencia; simple y eficiente como se espera de una película que tiene poder cinematográfico en su interior, así como un tema importante para explorar y exponer: la inmigración.

La actuación es increíble y todos los actores logran cumplir con las más altas expectativas. Nino Manfredi es excepcional y extremadamente bien distribuido en este papel creado con la sensibilidad para lo abstracto.

RESEÑA – Mediterraneo

La historia comienza cuando un barco italiano deja un puñado de soldados en una pequeña isla griega durante la Segunda Guerra Mundial. Los soldados italianos deben mantener esa isla a toda costa. La isla parece estar desierta y cuando sus ovejas son destruidas por los enemigos, los soldados deben encontrar la manera de vivir en esa isla. Pronto descubrieron que la isla no estaba desierta cuando los griegos salieron de sus escondites en las montañas. Todos los habitantes son mujeres, niños y ancianos, por lo que los soldados comenzaron a relajarse y finalmente a vivir.

Gabriele Salvatores hizo una película situada durante una guerra sin ninguna escena de guerra, presentando a la isla griega como el cielo en la Tierra para esos soldados atípicos. Todos ellos tienen sus sueños y deseos, pero a medida que pasa el tiempo, solo un soldado siempre trata de irse a toda costa (quiere volver a casa con su esposa). Antonio Farina se enamora de la prostituta Vassilissa (gorgeus Vanna Barba) e incluso dejaron de contar días en esa isla, por lo que no saben lo que está sucediendo en la guerra o en el mundo exterior. Esta isla presenta un oasis, un mundo imaginario donde todos son felices. Como una especie de utopía.

Entonces, desde la primera hasta la última escena, Salvatores dirige esta película sin errores, porque tuvo un gran escenario, actores y encontró una hermosa ubicación en Grecia. Me gustó especialmente Diego Abatantuono en el papel de Nicola Lorusso, pero también debo mencionar a Claudio Bigagli y Giuseppe Cederna. Cada persona que trabajó en este drama con elementos de comedia creó una película que todos podemos ver cuando queremos escapar del mundo real. ¿Pero hay un lugar como este en la Tierra? Sí, creo que hay muchos lugares como este, pero tenemos que buscarlos porque nada bueno es fácil.

RESEÑA – La Dolce Vita

Larga película episódica de Federico Fellini sobre los conceptos y fachadas de la vida: fama, intelecto, sexo, amistad, desesperación, inocencia, etc.

Marcello Mastroianni es perfecto como la periodista sensacionalista que sigue alegremente por Roma a una rubia estrella de cine sueca (Anita Ekberg) mientras deambula por los bares y bares de la ciudad. También está teniendo una aventura con una mujer (Anouk Aimee) mientras que su novia (Yvonne Furnaux) parece volverse loca.

Pero a medida que Marcello se mueve por la ciudad siguiendo a la estrella de cine, el milagro de la virgen, algunas fiestas, etc., vemos que su vida está muy vacía porque las cosas sobre las que informa no tienen sentido. Vemos que la fama y la fortuna y las trampas del éxito no tienen sentido.

Marcello comienza a darse cuenta de que la estrella de cine es una cabeza hueca insípida, los milagros son una farsa y el horrible asesinato y suicidio de su amigo (que parecía felizmente casado) muestra la futilidad de la vida misma.

Los temas de Fellini son comunes en muchas de sus películas, pero lo que hace que La Dolce Vita sea tan memorable es el tono cínico, la música de Nina Rota y la cadena de imágenes visuales fabulosas.

Son notables las escenas de la escultural Ekberg con ese fabuloso vestido negro sin tirantes con las voluminosas faldas mientras baila alrededor y eventualmente vadea por una fuente de la ciudad. Las escenas de fiesta también son notables. La primera por los intelectuales intolerables que se sientan y hablan y hablan pero nunca hacen nada. La última fiesta tiene la imagen indeleble de Mastroianni “montando” a una mujer rubia borracha como si fuera un caballo. La imagen final del pez muerto gigante es bastante inquietante, ya que simboliza sus vidas hinchadas.

Fellini es brillante al llenar escenas con personas extrañas como extras, generalmente vestidas horriblemente o con gafas feas. La “galería” de personas que habitan en la ciudad es una de grotescos, esclavos de moda, los ricos y perchas. Una película larga, pero muy recomendable y muy memorable.