Autore: paulo.reynoso

La función musical detrás de un thriller cinematográfico y un rock progresivo.

Por Paulo F. Reynoso Torres

Sin duda alguna la vertiente por la cual describiré la experiencia sobre el disfrute de la creación de Argento que estrenó en el 1975, recae en la complementación musical y de colores que rodea la producción que sentó una base en el modelo de dirección de uno de los directores mas prolíficos que hemos revisado y evidenciado su obra.

Bajo Profondo Rosso encontré la afección a un film no tan solo por sus escenas, trama y desenlace de una historia de las cuales observamos como los protagonistas eran artífices de sus propias respuestas, sino en la aparición de la musicalidad entrelazada de manera perfecta.

La incorporación del rock progresivo de la banda Goblin, lleva profundidad la intención de Argento y como este remarca la interpretación personal de la escena, además de la complejidad del silencio y la compatibilidad musical son en esencia lo que me llevó de esta visión y producción disfrutada en clase.

La primera presencia de una actuación jocosa dentro de la expresión y vida de la experiencia de Manfredi.

La aventura accidentada en un país extranjero de Nino Manfredi, dicha aventura termina de forma repentina. Esta historia gira la fortuna del protagonismo lo que me imprimío un sentimiento al adentrarme a la visualización en grupo de la obra creada por Brusati en el 1974.

Pan y Chocolate exalta la descripción de la inmigración en búsqueda del éxito y el camino personal, así que tras la figura del protagonista en escena encontramos características redundantes en la sociedad actual, la misma que traza sus historias de forma similar y que inesperadamente logramos profundizar y encontrar nuestra huella.

El choque de cultura, la introspección del ser, el desempleo, la financiación familiar, los estereotipos sociales, componen la gama de presentaciones en Pan y Chocolate. Es así como la creación cinematográfica de Brusati se incrusta en mi gusto de consumo y visión de cine.

La representación de la conducta y enfrentamientos social, la pérdida del ego y la historia representada a modo de drama, comedia y tragedia sintetizo una de las más importantes películas presenciadas en clase.

El retrato complejo de la diversidad social, la interseccionalidad marcada bajo el privilegio de clases.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

La dirección de Vittorio de Sica en esta nueva estampa en nuestra clase de cine, arte y cultura italiana, llega para acondicionar la realidad perpleja que enfrentamos en las diferenciación de clases y privilegio social.

El asecho y el inminente estallido de guerra afectarán y esta familia adinerada de origen judío sufrirá las consecuencias de la misma, además del constante asecho de la realidad europea y de la situación que enfrentaba su origen en el entorno social y los campos de concentración.

Esta obra se origina en un periodo complejo, basto y difícil para el país italiano, la representación de la obra literaria se destaco en su año de iniciación, tanto así que ganó el premio Oscar a mejor película de habla extranjera en el 1971, algo positivo en mi opinión, una exaltación a la decadencia social de la burguesía y clase social mas privilegiada.

La representación cinematográficamente logra observar la complejidad que surgió en la vida de estos jóvenes y como estos se han quedado sin un esfuerzo o alternativa, mostrando así el surgimiento y el como se desvanece la vida de estos jóvenes.

Esta obra disfrutada en clase muestra principalmente, el periodo que aconteció la guerra, lo político, la persecución a través de un juego y lucha de clases sociales que poseen el beneficio constante.

Pier Paolo Pasolini, la creación cinematográfica de quien sería uno de los directores de cine italiano más impresionantes y con una historia para jamás descartar.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

Sin duda alguna esta tercera función cinematográfica representaba una de las más importantes y deseosas en lo personal. Como seguidor de la obra e historia del icónico director de cine Pier Paolo Pasolini, la elección de una de sus obras y principalmente la que originó su trilogía de obras causó en mi el rápido interés para visualizarla.

La caracteristica de Pasolini y su obra siempre fue revolucionaria en búsqueda de liberación del ser, una obra y dirección de vanguardia de autonomía propia pero criticada y estigmatizada por la cultura del tiempo en la que se originó.

El Decámeron representa una historia ajena a los estándares que palpaban en la época, tanto en la que fue escrita la obra literaria por Boccaccio y la que adaptó a la pantalla del cine Pasolini. La creación de una trama eróticamente explicita en las diferentes escenas y desenlaces dentro de estas historias. La implicación de la religiosidad, la castidad, el aprovechamiento sexual, entre otros, son ejemplos de lo que se encuentra en esta creación.

Más que describir una escena, deseo escribir sobre la interpretación social que se representa y evidencia en esta creación cinematográfica, Pasolini se salta los cánones de interpretación y valor social, conduciendo su obra a la propia intención y personalidad, lo que la hace aún más valorada y potencial. Para mí es así como se evidencia en esta película lo mejor de la misma, una actuación realista que representa la época de la visión y critica de Pasolini.

La complejidad del drama y la intervención del romance en la segunda aventura cinematográfica del curso.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

En esta segunda intervención cinematográfica, nos adentramos a una representación mas contemporánea donde se protagoniza una historia inesperada donde el giró de los protagonistas presentan una realidad social por las que pasan muchas parejas y compañeros de vida.

Oztepek representó la complejidad de una doble relación, sin el conocimiento pleno y mutuo de una forma en la cual simpaticé y disfruté al visualizar este film creado al comienzo del 2001.

El relato de dos historias entrelazadas, el retrato de un amante fallecido, y a quienes dejó en vivencia, la búsqueda del porqué, la búsqueda de quien fue, Massimo. La trama que cegó por años, los engañosos, las mentiras, rodean esta segunda película presentada en clase.

Quisiera agregar la visión personal que le atribuyo a la construcción y esencia del amor complejo y la unión que disfrutaron los protagonistas y el fruto de una consecuencia. La misma se basa en cómo la pérdida y las derrotas no impidieron el desarrollo y la lucha de quienes nos encontramos en la reflexión de esta aventura cinematográfica.

La intervención cinematográfica y la estampa del neorrealismo imprimida en un film al comienzo del curso.

Por Paulo F. Reynoso Torres

Al comienzo de esta aventura que emprendimos al inicio del curso sobre el cine, arte y la cultura italiana, observamos la dirección de Roberto Rossellini en su creación del año 1945, Roma Città’ Aperta. Bajo esta dirección Rossellini presenta la cruda realidad que enfrentaba la Italia posterior a la ocupación nazi, en el que introduce en su historia el vinculo familiar, la viveza de la niñez, el sufragio de los partisanos y las consecuencias que sufrían quienes formaban y agrupaban la resistencia ante el opresor europeo y la policía secreta del Estado, conocida como la Gestapo.

Sin duda alguna esta producción denoto en mi el interés de conocer a profundidad las características de vida bajo una época de sufrimiento y un pasado oscuro bajo la historia del país italiano. Durante mi experiencia al observar este film me encontré con sentimientos que fueron profundizados a causas de escenas impactantes y que permitían conocer al concreto la intención de Rossellini en esta película.

La Ciudad Abierta, sentó las bases para el comienzo de la aventura cinematográfica que recorremos en este curso y es por esto que la tenacidad y la revolución de Manfredi, Don Pietro y Pina, siempre las recordaré sobretodo como un acto de realidad en una histórica actuación que representaba la triste historia de una Italia rota y triste.