Reseña: Danger Diabolik

Mario Bava y el desarrollo de un clásico gráfico que se inspira a la contemporaneidad “pop”de hoy día.

La ilustración de un mago del asalto y el acompañamiento sutil inspirado por Ennio Morricone.

Por Paulo F. Reynoso Torres:

Sin duda alguna la actividad y presentación de Mario Bava a cargo de Jim Groom en clase significo un encuentro, que potenció el vinculo al visualizar el concepto y la expresión cinematográfica y artística de Mario Bava. La dirección del director italiano y el giro de su historia me parecieron una de las más significativas y auténticas disfrutadas bajo esta experiencia y taller. Además el poder conocer con anterioridad el detalle y su forma me brindaron un aporte significativo para apreciar al detalle este clásico de culto entre los amantes de Mario Bava.

La inclusión de elementos gráficos en escenas y la originalidad que le proveyeron los mismos recreó un aprecio propio de la labor ejemplar de Bava en su producción.

Sin duda alguna, el factor de que el desarrollo de esta filme contó con un esfuerzo económico rezagado, pero que aún así con el paso del tiempo Danger Diabolik haya reclamado su espacio y pertenencia entre los amantes de este filme y sus repercusiones generaron en mi el aprecio a un cine que se inspiró en la tirilla cómica de la región europea de la época. Esta producción, sus escenas ambientadas bajo el diseño de campos visuales distintos y respaldadas bajo una producción musical de mi agrado, repercutieron en el propio seguimiento de otros trabajos de Bava.

Reseña: L’Avventura

La teatralidad de la desaparición que rodea la producción del olvido hasta las afecciones.

La aventura que se transformó en el desarrollo de escenas melancólicas bajo el privilegio que enmarcaban sus personajes.

Por Paulo F. Reynoso:

La singularidad de esta producción del director Michelangelo Antonioni al comienzo de la década de los 60’s representa un filme donde su tipografía y localizaciones se ilustran de igual forma en la trama y características propias de cada uno de sus personajes. Es bajo este argumento que el desarrollo de esta película me costó la atención y me encontraba con problemas al visualizarla. Sin embargo fue al luego ilustrarme sobre la misma, que las piezas de esta creación artística me parecieron una propuesta de teatralidad propia y de un realismo sentimental.

La incorporación de espacios, el campo visual que reflejaban y presentaban sus escenas, el sostener bajo el libreto el detalle metafórico, y el detalle propio crítico en el desarrollo de la historia simplificaron la intención de Antonioni. Es a través de la desaparición de Anna y de un principio melancólico en escenas tenues, el director italiano también presenta la indiferencia y el cuestionamiento a la realidad social que se presentaba en la época.

Nuevamente el detalle de la inclusión de espacios visuales amplios y semblantes arquitectónicos reflejaron un interés externo al simple filme.

Finalmente, el reflejo de una sociedad corrompida en múltiples valores y el sentimiento de insatisfacción, hacen reflexionar sobre cómo aún la intención de critica de Antonioni es respaldada por una verdad propia y como la singularidad de estos tiempos no es alejada de lo que se vivió en aquel entonces.

Reseña: Il Postino

El cartero de Neruda y las oportunidad de profundizar sobre el exilio del poeta chileno en la estética cinematográfica

La obra del director británico Michael Radford expone la sensibilidad y nostalgia a lo largo de múltiples escenas.

Por Paulo F. Reynoso Torres

La visualización de esta producción cinematográfica me llevó al disfrute clave de la figura de Neruda, al mínimamente escuchar en la previa y conversar luego sobre el acontecer de este filme con mi gran amigo Sebastían Paizy, nos encontramos con una de las películas más evocativas al ser y sobretodo una donde se observa cada una de las estampas más icónicas bajo la zona rural en el país italiano.

Sin duda alguna el vinculo que se desarrolló entre los protagonistas del arte, Neruda y Mario Ruoppolo, es una de las vertientes que más me remarcaron al visualizarla, la desgracia de un humilde en un pueblo alejado de muchas realidades agobiantes y el premio de un pescador al emplear un oficio distinto, encontrando su origen y esencia donde la amistad se circunscribe hasta la raíz.

El actor Massimo Triosi presentó uno de los papeles que más he disfrutado en una historia de la gran pantalla.

El apremio de Mario al fructificar sus escritos poéticos bajo la influencia del gran Neruda y su desarrollo de afiliación política, su discurso de lucha y su letra, sirvieron para inspirar un filme enriquecedor en una historia sumergida en la superación personal hasta el punto en que su labor escrita sentenció sus últimos días.

Reseña: La imagen de Il Conformista

Una breve descripción de la interpretación de espacios y reflejos en este clásico moderno.

Sin duda alguna una de mis mayores atracciones a este filme fueron sus espacios y sus recreaciones semejantes a obras de arte.

Ajeno a una reflexión y análisis propio de la obra y su libreto, bajo Il Conformista deseo ilustrar el aprecio desde los primeros instantes a su ambientación, vestuario y muestra de la arquitectura. De igual forma, el diseño bajo esta producción del cine moderno italiano y la obra de Bernardo Bertolucci, presenta una exaltación sobre el arte escénico que forja en esta película algo diferente en comparación a las diferentes producciones disfrutadas en nuestra clase.

Es la suma de estas características lo que logra atraer sobre mí un interés propio al desarrollo sobre las escenas de este filme que además presenta el contexto sociopolítico y la drama en conjunto a su tiempo, en su libreto.

La utilización de la sombra en el espacio abierto, la estampa de su vestuario y la teatralidad que representa la escena.

De igual forma, a Bertolucci lo acompañaron Vittorio Storaro y Ferdinando Scarfiotti en la elaboración de esta producción del 1970, es así bajo los colores y tiempos de estas escenas, que esta aventura disfrutada en clase fue una de mis mas valoradas. Además las impresiones en escena son inspiradas en obras como las de Caravaggio y Edward Hopper.

Reseña: Una mirada a Il Sorprasso

La última estampa del verano y el retrato en escena de la tragicomedia italiana.

Los protagonistas Bruno y Roberto bajo la imagen en el automóvil representativo del filme.

Por Paulo F. Reynoso Torres:

La ilustración cinematográfica que genera Dino Risi bajo su obra creada en el 1962 muestra la complejidad de dos vidas que se entrelazan bajo una fecha representativa y tradicional en el país italiano. Es así como la trama recreada bajo los personajes de Bruno, quien se caracteriza por su efusividad, atrevimiento y espontaniedad en su toma de decisiones es acompañado por Roberto, la representación den escena de la inseguridad, la impotencia en sus tomas de decisiones y la búsqueda de su amada en su pleno pensamiento.

Desde los paisajes de mar Tirreno hasta la Toscana, bajo el desarrollo de esta experiencia de cine, disfrute de la jocosidad del mismo, de sus expresiones, de la aventura que fue trazada bajo el hilo de experiencias y situaciones a las que Bruno exponía a Roberto, el estudiante de abogacía que pretendía llegar a Roma, aquel que bajo los teléfonos esperaba encontrar la voz de su amada, que no miento, deseaba observar el encuentro de estos dos jóvenes, sin embargo desde esta mínima expresión ya se observaba el alineamiento de la tragedia en plenitud.

Por otra parte, las características que expresan en su relación estos personajes me pareció otra profundidad al detalle de lo que exponía con veracidad esta producción cinematográfica. El estudiante que pretendía vivir al pie de la letra de una forma agobiada y el padre con espíritu de joven, quien olvidaba su familia y expresaba mucho más a su exterior, viviendo para olvidarse, sin esperar el mañana, pero al llegar el mismo se desvanecieron tras en su aventura físicamente, aunque parecían ya estarlo en otros aspectos.

Reseña: Profondo Rosso

La función musical detrás de un thriller cinematográfico y un rock progresivo.

Dario argento culminó bajo esta obra la irrupción en pantalla del giallo en el cine italiano y transformó su dirección.

Por Paulo F. Reynoso Torres

Sin duda alguna la vertiente por la cual describiré la experiencia sobre el disfrute de la creación de Argento que estrenó en el 1975, recae en la complementación musical y de colores que rodea la producción que sentó una base en el modelo de dirección de uno de los directores mas prolíficos que hemos revisado y evidenciado su obra.

Bajo Profondo Rosso encontré la afección a un film no tan solo por sus escenas, trama y desenlace de una historia de las cuales observamos como los protagonistas eran artífices de sus propias respuestas, sino en la aparición de la musicalidad entrelazada de manera perfecta.

La incorporación del rock progresivo de la banda Goblin, lleva profundidad la intención de Argento y como este remarca la interpretación personal de la escena, además de la complejidad del silencio y la compatibilidad musical son en esencia lo que me llevó de esta visión y producción disfrutada en clase.

Reseña: Pan y Chocolate

La primera presencia de una actuación jocosa dentro de la expresión y vida de la experiencia de Manfredi.

La imagen de la disociación en plenitud del protagonista de este film dirigido por Franco Brusati.

La aventura accidentada en un país extranjero de Nino Manfredi, dicha aventura termina de forma repentina. Esta historia gira la fortuna del protagonismo lo que me imprimío un sentimiento al adentrarme a la visualización en grupo de la obra creada por Brusati en el 1974.

Pan y Chocolate exalta la descripción de la inmigración en búsqueda del éxito y el camino personal, así que tras la figura del protagonista en escena encontramos características redundantes en la sociedad actual, la misma que traza sus historias de forma similar y que inesperadamente logramos profundizar y encontrar nuestra huella.

El choque de cultura, la introspección del ser, el desempleo, la financiación familiar, los estereotipos sociales, componen la gama de presentaciones en Pan y Chocolate. Es así como la creación cinematográfica de Brusati se incrusta en mi gusto de consumo y visión de cine.

La representación de la conducta y enfrentamientos social, la pérdida del ego y la historia representada a modo de drama, comedia y tragedia sintetizo una de las más importantes películas presenciadas en clase.

Reseña: El Jardín de los Finzi-Contini

El retrato complejo de la diversidad social, la interseccionalidad marcada bajo el privilegio de clases.

Desde su vestimenta, su espacio, la estampa del jardín en una escena de la obra cinematográfica.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

La dirección de Vittorio de Sica en esta nueva estampa en nuestra clase de cine, arte y cultura italiana, llega para acondicionar la realidad perpleja que enfrentamos en las diferenciación de clases y privilegio social.

El asecho y el inminente estallido de guerra afectarán y esta familia adinerada de origen judío sufrirá las consecuencias de la misma, además del constante asecho de la realidad europea y de la situación que enfrentaba su origen en el entorno social y los campos de concentración.

Esta obra se origina en un periodo complejo, basto y difícil para el país italiano, la representación de la obra literaria se destaco en su año de iniciación, tanto así que ganó el premio Oscar a mejor película de habla extranjera en el 1971, algo positivo en mi opinión, una exaltación a la decadencia social de la burguesía y clase social mas privilegiada.

La representación cinematográficamente logra observar la complejidad que surgió en la vida de estos jóvenes y como estos se han quedado sin un esfuerzo o alternativa, mostrando así el surgimiento y el como se desvanece la vida de estos jóvenes.

Esta obra disfrutada en clase muestra principalmente, el periodo que aconteció la guerra, lo político, la persecución a través de un juego y lucha de clases sociales que poseen el beneficio constante.

Reseña: Il Decameron

Pier Paolo Pasolini, la creación cinematográfica de quien sería uno de los directores de cine italiano más impresionantes y con una historia para jamás descartar.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

La obra e impresión del director italiano representa sin duda alguna su alegórica historia y función como cineasta.

Sin duda alguna esta tercera función cinematográfica representaba una de las más importantes y deseosas en lo personal. Como seguidor de la obra e historia del icónico director de cine Pier Paolo Pasolini, la elección de una de sus obras y principalmente la que originó su trilogía de obras causó en mi el rápido interés para visualizarla.

La caracteristica de Pasolini y su obra siempre fue revolucionaria en búsqueda de liberación del ser, una obra y dirección de vanguardia de autonomía propia pero criticada y estigmatizada por la cultura del tiempo en la que se originó.

El Decámeron representa una historia ajena a los estándares que palpaban en la época, tanto en la que fue escrita la obra literaria por Boccaccio y la que adaptó a la pantalla del cine Pasolini. La creación de una trama eróticamente explicita en las diferentes escenas y desenlaces dentro de estas historias. La implicación de la religiosidad, la castidad, el aprovechamiento sexual, entre otros, son ejemplos de lo que se encuentra en esta creación.

Más que describir una escena, deseo escribir sobre la interpretación social que se representa y evidencia en esta creación cinematográfica, Pasolini se salta los cánones de interpretación y valor social, conduciendo su obra a la propia intención y personalidad, lo que la hace aún más valorada y potencial. Para mí es así como se evidencia en esta película lo mejor de la misma, una actuación realista que representa la época de la visión y critica de Pasolini.

Reseña: La Fate Ignoranti

La complejidad del drama y la intervención del romance en la segunda aventura cinematográfica del curso.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

Una de las escenas más as representativas de la creación Ferzan Oztepek.

En esta segunda intervención cinematográfica, nos adentramos a una representación mas contemporánea donde se protagoniza una historia inesperada donde el giró de los protagonistas presentan una realidad social por las que pasan muchas parejas y compañeros de vida.

Oztepek representó la complejidad de una doble relación, sin el conocimiento pleno y mutuo de una forma en la cual simpaticé y disfruté al visualizar este film creado al comienzo del 2001.

El relato de dos historias entrelazadas, el retrato de un amante fallecido, y a quienes dejó en vivencia, la búsqueda del porqué, la búsqueda de quien fue, Massimo. La trama que cegó por años, los engañosos, las mentiras, rodean esta segunda película presentada en clase.

Quisiera agregar la visión personal que le atribuyo a la construcción y esencia del amor complejo y la unión que disfrutaron los protagonistas y el fruto de una consecuencia. La misma se basa en cómo la pérdida y las derrotas no impidieron el desarrollo y la lucha de quienes nos encontramos en la reflexión de esta aventura cinematográfica.