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El retrato complejo de la diversidad social, la interseccionalidad marcada bajo el privilegio de clases.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

La dirección de Vittorio de Sica en esta nueva estampa en nuestra clase de cine, arte y cultura italiana, llega para acondicionar la realidad perpleja que enfrentamos en las diferenciación de clases y privilegio social.

El asecho y el inminente estallido de guerra afectarán y esta familia adinerada de origen judío sufrirá las consecuencias de la misma, además del constante asecho de la realidad europea y de la situación que enfrentaba su origen en el entorno social y los campos de concentración.

Esta obra se origina en un periodo complejo, basto y difícil para el país italiano, la representación de la obra literaria se destaco en su año de iniciación, tanto así que ganó el premio Oscar a mejor película de habla extranjera en el 1971, algo positivo en mi opinión, una exaltación a la decadencia social de la burguesía y clase social mas privilegiada.

La representación cinematográficamente logra observar la complejidad que surgió en la vida de estos jóvenes y como estos se han quedado sin un esfuerzo o alternativa, mostrando así el surgimiento y el como se desvanece la vida de estos jóvenes.

Esta obra disfrutada en clase muestra principalmente, el periodo que aconteció la guerra, lo político, la persecución a través de un juego y lucha de clases sociales que poseen el beneficio constante.

The Garden of the Finzi-Continis (1970) del cine italiano. Esta película trata sobre la familia Finzi- Continis durante la persecución de los judios. En si no tengo mucho que decir de ella ya que fue un poquito difícil de entender la película. La continuidad del tiempo y la historia en sí estaba un poco fuera de lugar en la forma que estaba contada. Lo más que sobresale es la relación entre Micole y Giorgio, los protagonistas, que es lo que trata la película. Giorgio vive enamorado de Micole su amiga de la infancia pero lo que pasa entre ellos no fue muy claro para mi.

Pier Paolo Pasolini, la creación cinematográfica de quien sería uno de los directores de cine italiano más impresionantes y con una historia para jamás descartar.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

Sin duda alguna esta tercera función cinematográfica representaba una de las más importantes y deseosas en lo personal. Como seguidor de la obra e historia del icónico director de cine Pier Paolo Pasolini, la elección de una de sus obras y principalmente la que originó su trilogía de obras causó en mi el rápido interés para visualizarla.

La caracteristica de Pasolini y su obra siempre fue revolucionaria en búsqueda de liberación del ser, una obra y dirección de vanguardia de autonomía propia pero criticada y estigmatizada por la cultura del tiempo en la que se originó.

El Decámeron representa una historia ajena a los estándares que palpaban en la época, tanto en la que fue escrita la obra literaria por Boccaccio y la que adaptó a la pantalla del cine Pasolini. La creación de una trama eróticamente explicita en las diferentes escenas y desenlaces dentro de estas historias. La implicación de la religiosidad, la castidad, el aprovechamiento sexual, entre otros, son ejemplos de lo que se encuentra en esta creación.

Más que describir una escena, deseo escribir sobre la interpretación social que se representa y evidencia en esta creación cinematográfica, Pasolini se salta los cánones de interpretación y valor social, conduciendo su obra a la propia intención y personalidad, lo que la hace aún más valorada y potencial. Para mí es así como se evidencia en esta película lo mejor de la misma, una actuación realista que representa la época de la visión y critica de Pasolini.

Deep Red o Profondo rosso (1975) es un filme de director Dario Argento en el que cuenta la historia de un periodista que se envuelve en un caso de un asesino en serie. La película cuenta con una gran historia, locaciones y personajes pero a pesar de que me encantó todo esto la mejor parte en mi opinión fueron los elementos que claramente inspiraron a piezas modernas en especial a Quentin Tarantino. La manera en que muestra la violencia tan cruda como puede ser sin voltear la cámara es un elemento claro del cine de Tarantino que imagino que pudo haber adoptado de cineastas como Argento. Otro momento que me despegué de la película y me imagine que estaba viendo algo mas contemporáneo fue cuando escuché la música, una banda sonora de un grupo llamado Goblin que claramente inspiró a Tarantino en los sound tracks que prepara para sus películas. Está película me encantó y me gusta ver sus influencias en el cine actual. 

Carlos Cruz Rosa

La complejidad del drama y la intervención del romance en la segunda aventura cinematográfica del curso.

Por: Paulo F. Reynoso Torres

En esta segunda intervención cinematográfica, nos adentramos a una representación mas contemporánea donde se protagoniza una historia inesperada donde el giró de los protagonistas presentan una realidad social por las que pasan muchas parejas y compañeros de vida.

Oztepek representó la complejidad de una doble relación, sin el conocimiento pleno y mutuo de una forma en la cual simpaticé y disfruté al visualizar este film creado al comienzo del 2001.

El relato de dos historias entrelazadas, el retrato de un amante fallecido, y a quienes dejó en vivencia, la búsqueda del porqué, la búsqueda de quien fue, Massimo. La trama que cegó por años, los engañosos, las mentiras, rodean esta segunda película presentada en clase.

Quisiera agregar la visión personal que le atribuyo a la construcción y esencia del amor complejo y la unión que disfrutaron los protagonistas y el fruto de una consecuencia. La misma se basa en cómo la pérdida y las derrotas no impidieron el desarrollo y la lucha de quienes nos encontramos en la reflexión de esta aventura cinematográfica.

Deep red del 1975 como parte del cine italiano. De genero horror y misterio de verdad nos deja con la intriga del misterio ya que la película trata de un asesino en serie y en ningún momento te esperas quien puede ser. El protagonista Marcus, pianista de jazz es quien se encarga de la investigación de buscar al asesino después encontrar a su vecina de piso asesinada. Es una película de la que tienes que estar pendiente porque ya te cuenta y da pistas de la historia sin darse de cuenta. La visualización de esta película es espectacular y aparte de la historia es lo mas que atrae.

La intervención cinematográfica y la estampa del neorrealismo imprimida en un film al comienzo del curso.

Por Paulo F. Reynoso Torres

Al comienzo de esta aventura que emprendimos al inicio del curso sobre el cine, arte y la cultura italiana, observamos la dirección de Roberto Rossellini en su creación del año 1945, Roma Città’ Aperta. Bajo esta dirección Rossellini presenta la cruda realidad que enfrentaba la Italia posterior a la ocupación nazi, en el que introduce en su historia el vinculo familiar, la viveza de la niñez, el sufragio de los partisanos y las consecuencias que sufrían quienes formaban y agrupaban la resistencia ante el opresor europeo y la policía secreta del Estado, conocida como la Gestapo.

Sin duda alguna esta producción denoto en mi el interés de conocer a profundidad las características de vida bajo una época de sufrimiento y un pasado oscuro bajo la historia del país italiano. Durante mi experiencia al observar este film me encontré con sentimientos que fueron profundizados a causas de escenas impactantes y que permitían conocer al concreto la intención de Rossellini en esta película.

La Ciudad Abierta, sentó las bases para el comienzo de la aventura cinematográfica que recorremos en este curso y es por esto que la tenacidad y la revolución de Manfredi, Don Pietro y Pina, siempre las recordaré sobretodo como un acto de realidad en una histórica actuación que representaba la triste historia de una Italia rota y triste.

Pane e Cioccalata fue lanzada en el 1974 como parte de la cinematografía italiana. Se puede decir que el género de tal es drama y comedia la cual hace un buen balance entre ellas, poder tocar un tema profundo y ala vez poder sacar alguna y que otra risa.
Con subtemas como la inmigracion, el personaje italiano, Nino, trato con todo lo que podía de convertirse en un ciudadano suizo si o si. Básicamente está toda la película pero al tratar de ser ciudadano suizo siempre había alguna circunstancias que lo hacía tener que volver a su país. Me encantó “Pane e cioccalata” aparte de la drama su comedia me encanto era sutil y algo alhazar pero encantador.

En esta película podemos ver la vida de un inmigrante italiano en suiza, que vive su vida tratando de encontrar su lugar e identidad en esta nueva tierra. Dirigida por Franco Brusati, este filme captura la esencia de los Italianos para la época migrando a suiza y otros países de Europa. La película expresa la frustración de ser un inmigrante en Suiza con el protagonista Nino Manfredi. Siendo un personaje carismático y simpático pero a la misma vez con un bajo sentido de pertenencia al encontrarse en un nuevo país con una nueva cultura y personas. Nino, detrás de su carisma, parece estar desesperado a travez de la película al no poder conseguir un trabajo estable que lo mantenga y se encuentra luchando para buscar el trabajo, digamos, ideal para él. La película también muestra personajes con los cuales Nino se puede identificar ya que han pasado por experiencias similares a las de él. Una de estas escenas que me llamó la atención fue cuando Manfredi, al llegar a la pollera, les enseña a los italianos que a pesar de sus travesías y condiciones de vivienda, tienen un valor y una identidad como Italianos. Esto me pareció un acto de simpatía de parte de Manfredi ya que él paso por lo mismo, luchando para darse cuenta que su identidad era más importante que sentirse que no encajaba en una nueva cultura. Manfredi fue de ser un hombre perdido en una nueva tierra, hasta llegar al punto de pintarse el pelo rubio para lucir más parecido a los demás. A tener un gran orgullo de ser Italiano y aceptar su diferencia ante la nueva cultura en la que estaba y aceptar de donde provenía.

-Sebastián Paizy

Profondo Rosso, o en su traducción al español “Rojo profundo” es un filme italiano, dirigido por el director, productor y guionista, Dario Argento. Esta película salió en el 1975, y forma parte de las películas del genero del suspenso y el terror, o expresado en el italiano, “giallo”. La trama inicia con Helga Ulmann, una vidente alemana quien en medio de recibe pensamientos “retorcidos, pervertidos y asesinos” por parte de una persona que estaba en una sala de teatro. Esa misma noche una figura que llevaba guantes, irrumpió en el apartamento de la vidente y la asesina. Esto provoca que Marcus, un pianista británico y la reportera Gianna Brezzi aa buscar el asesino de la vidente. En eso van surgiendo más asesinatos a causa de esta figura misteriosa.

La primera sensación de esta película fue muy sorprendente. Al principio creía que era una película de drama, como estuvimos acostumbrados a ver en las últimas clases, pero al ver las reacciones de la vidente y luego su asesinato , me llevé una enorme sorpresa, añadiendo que las imágenes de la escenografía de la película eran muy explicitas. Personalmente no soy una persona que le guste ver películas de suspenso y terror, pero algo tiene esta película que hizo que me gustara. La parte que yo considero que fue la más importante de esta película fue la parte musical, porque te dejaba saber con los sonidos, el sentimiento de terror que podían sentir los personajes. Es una película que es recomendable, a pesar de sus escenas sangrientas y explicitas.

-Elián F. Kuilan García